Acompañar a una infancia trans no es solo un acto de crianza; es un acto de amor radical que salva vidas. La identidad no es un manto estático impuesto al nacer, sino una semilla profunda que requiere de un feroz reconocimiento propio para germinar. Para las infancias y juventudes de la diversidad, abrazar su esencia es un proceso laberíntico, a menudo atravesado por un mundo exterior que se empeña en la incomprensión y el rechazo. Ante esta hostilidad, el núcleo familiar se enfrenta a una decisión ineludible: convertirse en una extensión de esa violencia o erigirse como un refugio seguro. Cuando un infante da el paso definitivo hacia su verdadera identidad, su familia también transiciona, obligándose a confrontar sus propios prejuicios para sostener con ternura lo que antes miraban con miedo.
Bajo esta urgente y amorosa premisa surge Flores, un cortometraje que se ha ganado un lugar indispensable en la conversación cinematográfica contemporánea. La obra formó parte de la 25ª edición del Festival de Cine Alemán en México; aunque no obtuvo el Premio Kino, su innegable destreza técnica y fuerza narrativa le valieron una merecida mención honorífica. Escrita y dirigida por Job Samaniego Rivera, y producida junto a Mariana Rivas, la cinta nace directamente desde las entrañas de la experiencia queer. Utilizando el realismo mágico como vehículo narrativo, se construye una fábula poética que opone la empatía como trinchera ante un sistema diseñado para rechazar lo distinto.
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Un cuento de terror frente a la ceguera conservadora
La película arranca estableciendo un tono inquietante. A través de una narración envuelta en misteriosos susurros, se nos presenta una vieja leyenda. Apoyado por un diseño sonoro cargado de tensión —propio de una película de suspenso— donde resuenan a lo lejos ruidos perturbadores parecidos al eco de los cuervos, el mito nos habla sobre una flor extraordinaria que se oculta en lo más profundo del bosque. Esta flor solo brota al amparo de la noche, con una clara advertencia: si alguien se atreve a ponerle un nombre, la planta se marchita irremediablemente.
El relato dicta que los niños que acudían a la oscuridad para buscarla terminaban desapareciendo entre la maleza y nunca volvían. Por el contrario, los adultos jamás lograron ver a la flor porque se obstinaban en buscarla a la luz del día. Este mito articula una crítica afilada a la sociedad: el mundo adulto se aferra a la luz diurna porque representa la vigilancia de lo normativo, mientras que le tiene pánico a la penumbra de lo desconocido. Al forzar que la belleza encaje bajo sus propias reglas, terminan marchitando la individualidad. Esos niños no se perdieron; al escapar del molde asfixiante de la luz, encontraron en la oscuridad un espacio libre de juicios para ser ellos mismos.
La poética del injerto y las rígidas reglas del hogar
El relato aterriza en la cotidianidad para presentar a Moisés, interpretado con gran sensibilidad por Raúl Briones, y a su hije Samuel, a quien Leo Martínez da vida con una actuación muy natural. La tesis de la obra se establece de forma visual cuando padre e hije cortan un cactus para injertarle otra flor. Moisés explica que, si se le cuida, ambas partes cicatrizarán hasta fusionarse en un solo organismo vivo. Esta metáfora botánica sobre la transición es de una precisión absoluta: transicionar implica intervenir para alinear el exterior con el espíritu, un proceso que, envuelto en cuidado y respeto, termina sanando hasta convertirse en algo íntegro.
No obstante, esta lección choca de frente con la rigidez institucionalizada dentro de la casa.
Durante la hora de la comida, Samuel, en un acto de exploración, se coloca un adorno en el cabello. La madre interviene con severidad, exigiéndole que se lo quite. Frente a esta herida infligida en su propia mesa, Moisés observa en silencio, paralizado por su incapacidad para desafiar la norma. En este bloque, la dirección de fotografía a cargo de Perla Ascanio envuelve la cotidianidad familiar en colores neutrales y apagados, subrayando el letargo y la represión del entorno doméstico.
El bosque y el horror del rechazo interiorizado
Esta represión detona la urgencia, empujando a Samuel a huir de casa en plena madrugada. Al descubrir su ausencia, Moisés, consumido por la desesperación, corre tras él hacia la espesura del bosque. Es en este punto donde la película demuestra su mayor ambición audiovisual. La paleta de colores vira drásticamente hacia tonalidades azules, densas y frías, evocando un misticismo nocturno y una tensión palpable que roza la fantasía oscura. El diseño sonoro de Mario Tena y la música original de Santiago Garduño destacan al dotar de una atmósfera inmersiva a la persecución, agudizando la angustia del padre ante lo desconocido.
Entre la maleza, apoyado por el meticuloso diseño de producción de Tari Luna Müller, Samuel encuentra la mítica flor, que emana un resplandor intenso. Al tocarla, la transición ocurre: le brotan plumas, adoptando la gestualidad libre de un ave. En ese instante, Samuel desaparece para dar paso al inicio legítimo de Samy.
Sin embargo, a través del cristal de sus propios prejuicios y del terror paralizante al juicio de los demás, el padre se quiebra. El pavor le cobra una factura devastadora a través de un agudo uso del horror corporal: a la piel de Moisés le comienzan a brotar dolorosas escamas. La cinta retrata así una verdad ineludible: la transfobia interiorizada no solo lastima profundamente a las infancias que transicionan, sino que enferma y carcome el propio cuerpo de quienes se resisten a aceptar la identidad de las personas que aman.
La trinchera escolar y la victoria de la autenticidad
Como contrapeso a la asfixia familiar, el conflicto se traslada a la escuela. La violencia institucional se manifiesta a través de la opresiva voz de un profesor, quien exige un permiso para una excursión firmado por ambos padres. El asedio escala al recriminarle el uso diario del pants deportivo escolar, ignorando que esa prenda funciona para Samy como una trinchera ineludible, otorgándole un refugio neutral frente a la imposición binaria del uniforme. El ataque alcanza su punto de quiebre cuando la figura de autoridad la llama intencionalmente “Samuel” para invalidarla. Ella se mantiene firme y lo corrige de inmediato, lo que provoca que el maestro la castigue enviándola a la dirección y exigiéndole que se quite los broches del cabello.
A pesar de que el sistema escolar intenta disciplinar su feminidad, el espíritu de la niña permanece intacto. El momento en el que Samy cruza la puerta de salida de la escuela es la cúspide emocional de la cinta, sostenida brillantemente por el lenguaje visual. El trabajo fotográfico abandona los tonos neutrales para estallar en colores brillantes, salpicados de sutiles destellos que reflejan la vitalidad de su liberación. Camina envuelta en una felicidad radiante, abrazando la certeza inquebrantable de saber exactamente quién es. Su triunfo no es complacer la mirada de los demás, sino adueñarse por completo de su propia existencia.
La normalidad del mundo y la catarsis en la corriente
La aplastante legitimidad de Samy empieza a desarmar los miedos de Moisés. Mientras descarga su camioneta, intenta darle indicaciones a uno de sus trabajadores sobre unos costales de tierra. El empleado le responde con absoluta naturalidad que no se preocupe, porque su hija ya le dio las instrucciones previamente. La revelación es monumental: allá afuera el mundo no colapsa. La vida fluye con normalidad y la identidad de su hija es un hecho innegable y respetado por la comunidad.
Al comprender que el rechazo habitaba únicamente en sus propias barreras y cargando con el insoportable peso de su culpa, Moisés busca refugio en las aguas de un río. Al sumergir los pies, una de las duras escamas que laceran su piel cede y se desprende, haciéndolo sangrar. En cuanto la herida y la escama entran en contacto con la corriente, se transforman en decenas de hermosas flores que flotan a la deriva. Este acto de soltar, de despojarse de la costra del prejuicio para abrazar el entendimiento, equivale cinematográficamente al florecimiento de una nueva oportunidad.
El viaje hacia el mañana
Purificado de sus ataduras, Moisés regresa a su hogar en medio de la noche. Entra con suma cautela a la recámara y encuentra a Samy profundamente dormida. Acercándose poco a poco, con un cuidado cálido y amable para no alterar su descanso, la despierta. Al recostarse juntos en la cama, ambos se miran sin el doloroso velo de los prejuicios. La dirección toma la brillante decisión de silenciar el diálogo para otorgarle el peso absoluto a las miradas compasivas y a las manos entrelazadas, sanando desde la raíz el injerto botánico sembrado al inicio de la historia. Moisés ya no ve sus propios miedos reflejados; por fin ve a la niña que siempre estuvo ahí.
A la mañana siguiente, el epílogo entrega una postal profundamente esperanzadora, con Moisés y Samy subiendo al automóvil. Encienden el motor y se preparan para transitar el mundo exterior con la frente en alto. El impecable trabajo de edición de Salvador López Romero garantiza que la cinta transite ágilmente del suspenso al drama íntimo, afianzando a “Flores” como un manifiesto vital.
Esta obra mantiene su indiscutible relevancia al integrar el programa “Flores sin nombres” de la muestra Cinema Queer México en su edición 2026. El cortometraje se proyectará el 5 de octubre a las 18:00 horas en el Cineclub Santa Rosa, en la Ciudad de México, consolidándose como una invitación obligatoria para celebrar la resistencia y la calidad cinematográfica desde la gran pantalla.
